奥赛博物馆里的彩色雕塑

　　6月12日到9月9日，奥赛博物馆策划名为《色彩，法国彩色雕塑艺术(1850-1910年)》(En couleurs, la sculpture polychrome en France de 1850 à 1910)的雕塑展。

　　19世纪彩色雕塑虽然不被大家熟知，但的确是一个雕塑艺术内重要的分支。直到世纪初，白色大理石或单色青铜仍然被看作唯一共同认可的雕塑色彩。与此同时，对彩色古雕塑和彩色建筑的发现与研究，引发了激烈的争论，也开拓了大家的视野。

　　在考古学研究古雕塑和建筑之后，在当代雕塑是否运用色彩的问题接棒了这场论战。十九世纪五十年代，一批先锋的雕塑家，如查尔斯·科尔迪，把色彩当成他们雕塑的特色。争论平息之后——也就是第二帝国时期，在新艺术运动和象征主义影响下，色彩以其装饰意义在雕塑艺术中获得了极大运用。

　　此外，多种多样的材料能带来更丰富的色彩，比如蜡、玻璃、镀金或镀银青铜、上色大理石等。这些都表现了世纪末艺术家的品味和探索。

　　此次展览展出了一批以彩色雕塑为主要创作手法的艺术家的作品，如亨利·科洛、让-里奥·杰洛姆、路易斯-欧内斯特·巴里亚斯、让-约瑟夫·卡瑞斯、保罗·高更等。展出作品大多来自奥赛馆藏，为大家呈现十九世纪一种独特的艺术风格。

　　展览位于奥赛博物馆二楼，设有三个展厅。主题分别为“艺术的终结：审美的历史;古艺术品里的色彩;中世纪、文艺复兴：好比活人演画;兼收并蓄;色彩的减少;肖像雕塑;象征主义;陶瓷雕塑;陶瓷建筑;颠覆性创造”。从美学角度出发，以历史发展逻辑为轴，向我们展示了彩色雕塑艺术的发展。

　　从古希腊、罗马时期到文艺复兴，西方雕塑——不管是宗教或非宗教，常常都是彩色的。但色彩很快就被抛弃，取而代之的是以纯白色大理石为主要材料的古希腊-罗马审美标准。十八世纪，法国雕塑家莫里斯·法尔科内认为：每一种艺术都有其模仿的手段，而色彩并不适用于雕塑。但这时期，色彩并没有在雕塑艺术中完全消失。直到十八世纪末，德国考古学家与艺术史学家约翰·约阿希姆·温克尔曼为纯白大理石雕塑增加了一种精神价值：单色是一种理想的、统一的美学，它主宰着十九世纪欧洲雕塑艺术。

　　此后，浪漫主义中有一些独立发展的色彩运用，考古学家对有色彩的古雕塑和中古时期雕塑的研究在其复兴过程中也扮演着重要角色。

　　十九世纪中期，彩色雕塑被看作一场严重的美学威胁，人们认为它会带来“艺术的终结”。雕塑家大卫·昂热斯认为，如果写实主义占领了雕塑艺术，那我们除了给雕塑上色，就没什么好做的了。他认为过于写实会使雕塑本身从一门艺术走向像蜡像一样的“工艺”作业。艺术评价家夏尔勒·布朗也说：雕塑越趋近于真实事物、越显得丑陋。

　　十九世纪的考古学发现将彩色古雕塑和古建筑带入人们视线。考古学争论也激起了一场关于是否在现代雕塑中运用色彩的美学论战。此后，彩色雕塑渐渐涌现，出现了如让-里奥·杰洛姆为代笔的主攻彩色雕塑的雕塑家。

　　对中世纪和文艺复兴的欣赏，在十九世纪初成为人们关注彩色雕塑的动因。1870-1880年间，对文艺复兴的欣赏热潮引发了大家对彩色雕塑的好奇。好比一种特殊的艺术形式“活人演画”(tableau vivant)，即让演员重现一幅画的场面，多用摄影的形式将其呈现出来。彩色雕塑在某种程度上与这种艺术形式异曲同工，因此为重现意大利或法国文艺复兴优秀的艺术成果，当时出现了大量形式自由的彩色雕塑作品。

　　1852-1870年，即第二帝国时期，虽然每年的沙龙展依旧不接受彩色雕塑这一艺术形式，但还是有一些先驱者探索着雕塑的色彩。同时，象征主义也启发了一批彩色雕塑家。陶瓷因为其着色的自由性，被大量运用到这种艺术形式中。

 

 

　　其中被大家熟知的，德加的雕塑作品《小芭蕾舞演员》，在1881年印象派展览中引起了很大的话题。另外，雷诺阿和高更的彩色雕塑也参与了此次展出。

　　展览地点：奥赛博物馆二楼

　　展览时间：6月12日-9月9日